«of part to whole» marca la exposición más reciente con nuevas obras de los artistas Matthew Feyld y Valerie Krause, presentada en L21 Home Palma de Mallorca.

La serie expuesta se sumerge en un proceso de construcción y deconstrucción, explorando tanto el lado físico como el intelectual. A medida que los artistas preparaban la exposición, discernieron una similitud en su enfoque hacia los símbolos y estructuras utilizadas. A pesar de la naturaleza hermética de su trabajo, esto sirvió como catalizador para la exposición. Este fue el punto de partida. Al mismo tiempo, con obras que pertenecen a la misma familia, hay una clara diferencia en términos de estructura y libertad de construcción. Buscaron que su trabajo permaneciera fiel a sí mismo, contribuyendo a la creación de una presentación cohesiva y fluida, lograda mediante el uso de formas fuertes y estrictas.

La línea específica de trabajo de Matthew Feyld ha estado en desarrollo en los últimos años. Una «forma de resistencia» distintiva en su modus operandi es el uso de la forma circular, que contrasta con la rigidez general de su enfoque artístico. Dentro de este motivo yace un punto negro que es en realidad mucho más que un punto, es el fondo inicial del cual surgió la obra de arte. El proceso de pintura comienza con un fondo negro sobre el cual agrega varias capas de pintura dejando solo un punto imperfecto en el centro. Este es un ejercicio de compresión minimalista. En el trabajo de Feyld hay una investigación obsesiva y extensa. Esta filosofía artística le permite explorar más a fondo el estudio de esta práctica y agregar profundidad y complejidad al resultado final.

El círculo es un símbolo que representa plenitud total, mientras que el punto introduce una tensión, planteando la pregunta: ¿El punto está siendo protegido o está siendo tomado como rehén?

Analizar el caso de este artista es intrigante, especialmente al disecar la potencia de las obras individualmente y colectivamente como un todo. Estas piezas forman parte de una serie de permutaciones controladas, ahondando en el desarrollo de la idea compleja, un concepto teorizado anteriormente por Carl Andre, pero no ampliamente adoptado por artistas contemporáneos debido a su naturaleza obsesiva y profunda. Esta conceptualización contrasta con la tendencia de ideación rápida y acelerada.

Al observar más de cerca, estas pinturas se revelan como obras tridimensionales, transformando una pintura monocromática en una categoría distinta.

Valerie Krause, en una de sus entrevistas, reveló que su elección por la escultura en lugar de la pintura está conectada al hecho de que este medio es más físico y concreto. Al analizar este conjunto de obras, queda claro que su práctica es una línea de trabajo que trasciende géneros, ya que está motivada por procesos físicos e instalaciones que implican el ensamblaje en el espacio.

El trabajo de la artista está inspirado en una conexión entre la naturaleza y la cultura, mostrando contrastes en los materiales utilizados y la ausencia de color. Para enfatizar esto, vemos la combinación de materiales crudos y delicados. En esta exposición en particular, la utilización del acero negro, materiales de construcción y espejos amplifica la dicotomía, creando un diálogo visual dinámico dentro de sus creaciones esculturales.

Podemos clasificar el trabajo de Krause como determinado. Ella transforma todos estos materiales crudos y económicos y los convierte en algo que nos detiene. Estéticamente, dentro de sus piezas hay una sensación de pureza.

Una característica distintiva del trabajo de Valerie es la decisión inherente. Sus piezas tienen la capacidad de separar y unir, haciendo esto con un juego matizado de gentileza y rudeza. La precisión, las proporciones y el equilibrio de sus creaciones lo logran. La tensión observada yace en el delicado equilibrio entre cerrar un espacio y dejarlo abierto, oscilando entre transmitir un significado hermético y permitir la apertura.

Aunque el trabajo de Valerie es una sutil fracción de espacio, las obras no se mezclan con el entorno, sino que se afirman como entidades independientes.

La importancia de esta exposición radica en cómo las piezas individuales activan el espacio, establecen un ritmo y se relacionan entre sí. Crean uno sin perder su entidad.

Zé Ortigão